「佐伯祐三　自画像としての風景」展　東京ステーションギャラリー

　大正から昭和初期に、大阪、東京、パリの街を駆け抜けるように生きた画家、佐伯祐三（1898-1928）。

　大阪の古刹の次男に生まれ、地元の画塾に通った後、東京美術学校（現・東京藝術大学）在学中に銀座の商家の娘・池田米子と結婚。下落合（現・新宿区中落合）にアトリエと住宅を構える。
　卒業後の1923年に妻と娘・彌智子を伴って渡仏。翌年、里見勝蔵に連れられてオーヴェール=シュル=オワーズに画家のモーリス・ド・ヴラマンクを訪問し、パリに来てから制作した自信作《裸婦》を見せたところ、「アカデミック！」と批判されて、画風を大きく転換させる。
　1926年、体調を心配した母の意向を受け、パリ視察に来た兄・祐正とともに帰国。下落合の自宅に戻り、大阪と往復しながら創作に励んだが、パリへの想いは消えず、1927年にふたたび渡仏。新たな画風を求め、1928年には遊学中の友人たちとともにヴィリエ=シュル=モランに旅行をするなど、旺盛な制作にいそしむも、過酷な強行に結核の病状が悪化し、精神的にも追い詰められ、パリの精神病院に入院。そこで息を引き取った（２週間後には娘・彌智子も死去）。

　30年の短い生涯のなかで、本格的な画業はわずか４年余り。しかし、遺された作品は、荒々しい筆致による線と独特のマチエールを持つ絵具が街をとらえ、なんとも言えないニュアンスを湛えて、見る者を魅了する。
　結核によりパリで客死したその悲劇的なエピソードと相まって、日本近代洋画家のなかでもファンは多い。

　この佐伯の本格的回顧展が、東京ステーションギャラリーで開催中だ。
　東京ではなんと18年ぶり。
　同展は、４月から大阪中之島美術館でも開催される。
　日本で最大の質と量を誇る佐伯祐三コレクションを有する大阪中之島美術館の所蔵品を中心に、国内の代表作が集結し、短くも鮮烈な画業を一望する。

　大阪中之島美術館は、実業家・山本發次郎の旧蔵品の寄贈を機に、1983年に構想がスタートした。そのコレクションの中心をなすのが、佐伯祐三の作品群である。
　山本は、他者の評価によらず、自身の眼にかなうものだけを蒐集したことで知られる稀代のコレクター。当時評価の定まらないこの若い画家の作品に一目惚れした山本が蒐集し、太平洋戦争の戦火から守ったからこそ、佐伯の秀作の数々が現代まで遺されたといえる。

　このコレクションを核に、現在約60点の佐伯作品を所蔵する同館。関西でも15年ぶりという本展は、「準備室」から40年をかけて2022年に開館した大阪中之島美術館の開館記念にも連なるものだ。

　佐伯の“本拠地”における初の大回顧展に先駆けて始まった東京ステーションギャラリーでの展覧会は、さらに厳選した代表作100余点で展開する。
　特筆されるのは美術館の建物。
　1914年、まさに佐伯と同時代に創建された東京駅丸の内駅舎の、当時のままの煉瓦壁が活かされた展示空間は、パリの石造りの建物のたたずまいに魅せられ、その壁を描き続けた佐伯の作品には、憎いくらいしっくりする。

　佐伯の画業の主要なテーマである「風景」を切り口として、彼が描いた東京、大阪、パリという３つの街を起点にその画業を追う。

　展覧会の副題「自画像としての風景」にある通り、作品に感じられる画家の内面や深い精神性から、彼の風景画はしばしば自画像にもたとえられてきた。
　彼がどのように自身の表現を獲得したのか、風景画にその変遷をたどりながら、同時に佐伯という画家のまなざしが浮かび上がる構成になっている。

　殊にパリから一時帰国していた時代の東京・下落合を描いた一連の作品と、大阪で滞船を描いたシリーズが充実していることに注目したい。
　これまで、「日本の風景はぼくの絵にならない」と、ふたたびパリに赴いたとされてきた佐伯の日本での作品は等閑視されてきたが、今世紀に入ってから再検証と再評価が行われ、国内でも佐伯なりのモチーフを見つけ、自身の絵を追求していることが解明されてきている。

　編年で追いつつも、「街」からアプローチし、作品のモチーフでまとめられた各章からは、途絶えることのない画家の創作への研鑽が感じられるはずだ。
　それは、短くも情熱的な画業と悲劇的な死から哀愁と詩情を読みとる評が多いなかで、「憂愁の巴里」の佐伯を超え、自身の身を削り、追求した「画家・佐伯」を改めて見いだす契機となるだろう。

　プロローグでは、自画像が並ぶ。
　佐伯は画学生時代を中心に、初期に多くの自画像を描いている。もちろん、学生にとって自身はもっとも手近なモデルであるが、彼の描く自画像はいずれも背景がなく、じっとこちらを見つめる強いまなざしが印象的だ。

　ペン画やスケッチ、ルノワールの影響を感じさせる東京美術学校の卒業制作から、パリに渡って間もなくに描かれたセザンヌ風の《パレットを持つ自画像》、そして、ヴラマンクの叱責を受けて大きく画風を変えた《立てる自画像》まで、自己を見つめる彼の眼は、画家として生きていく決意とともに、早くから家族を結核で失くしている自身の死をも見つめていたことを感じさせる。

　《パレットを持つ自画像》と《立てる自画像》は同じ年に描かれている。
　いかに表現の変化が激しかったか、凝縮された画業の大きな一歩がここに表れている。
　以後、自画像はほとんど描かれず、そのまなざしは風景へと注がれていくのだ。

「第１章：大阪と東京」は、「画家になるまで」「〈柱〉と坂の日本―下落合風景と滞船　1926～27年」の２節に、学生時代と一次帰国時代を見ていく。

　大阪を出て、東京美術学校に通っていた時代の風景画からは、同窓の友を驚嘆させたともいう佐伯の確かな画力と色彩感覚を感じられる。

　２年間のパリ滞在ののち、健康状態を案ずる家族の説得に折れて一時帰国した佐伯は、東京のアトリエがあった「下落合風景」と、大阪での「滞船」の２つのテーマで集中的に作品を遺している。

　佐伯の渡仏直前に起こった関東大震災以降、近代都市として発展していた都会の風景ではなく、敢えていまだ日本家屋の多く残る雑然とした郊外の下落合で、特定の場所をいくつかのパターンが見いだせる構図で何度も描いている。
　一本の道を極端な遠近法で描く、塀やガードなどで画面を斜めに切りとるなど、第一次パリ時代の作品との共通点も感じられ、パリで獲得したものを日本の風景で試す画家の意識が読み取れる。
　高低差のある地理的特徴を活かし、見あげる、見おろすという縦の視点が加わっていること、電柱が画面に一定のリズムと視線の誘導をもたらしていることを確認したい。

　大阪では街の風景はほとんど描いていない。代わりに選ばれたのが、当時は水運の要所であった安治川などに停泊していた船だ。佐伯は姉の嫁ぎ先に滞在し、そこから船を描きに出かけたという。
　船は真横から低い水平線に置かれ、広くとられた空には真っすぐに伸びる帆柱とそこにかけられたロープが、執拗なまでに描かれる。
　そこにはなんら物語性や周囲を説明する要素はなく、画家の意識が船という対象と線と面による画面の構成にあったことが感じられるだろう。

　肖像画と静物画もコーナーで紹介される。
　「親しい人々の肖像」では、身近な人物の姿に、佐伯のやさしいまなざしが見て取れ、激しい画業のイメージのなかで、ちょっとホッとさせる。

　「静物」は、写生に出られない雨天などに制作された、絵を描くための道具や、花、食材がモチーフ。いずれも周囲はほとんど省略されて、対象のみを画面いっぱいに描く。多くは筆の勢いのままの素早い筆致で、その的確な表現力を改めて感じさせる。

　「第２章：パリ」は、「自己の作風を模索して」「壁のパリ　1925年」「線のパリ　1927年」の３節で、第一次、第二次のパリ滞在における、作風の変遷をたどる。
　
　1924年１月にパリに到着した佐伯は、ヴラマンクの罵倒を受けて、大きな転機を迎える。それまでの作風を捨て、自らの表現を模索するなか、ヴラマンクの色彩や視点を取り入れ、画面は印象派風の明るいものから重く不透明なものへと変わる。
　「自己の作風を模索して」では、その変化を追う。

　1924年の末に郊外からパリの下町のアトリエに移った佐伯は、描く対象をパリの街並みへと移していく。その頃に影響を受けたのは、ユトリロの詩情あふれるパリ風景だった。
　華やかな表通りの風景ではなく、アトリエ周辺の下町の風景が彼の眼にとらえられていく。やがてそれらは建物をクローズアップする視点へと変化し、場末の庶民的な店先をモチーフに、石造りの壁を独特のマチエールで描き出す自身の作風を創り上げる。
　サロン・ドートンヌにも入選し、確かな手ごたえを感じ始めた頃、家族の説得により、一時帰国を余儀なくされる。「日本に留学してきます」と想いはパリに残して1926年の1月に帰国の途についた。
　「壁のパリ」では、第一次パリ時代に彼がたどりついた壁面の表現までをたどる。

　1927年8月、もう一度パリの街を描きたいという想いを貫いて再訪したパリで、佐伯は猛烈な勢いで制作を開始する。一日に何点もの作品を仕上げることもあったようだ。
　第一次パリ時代の構図をなぞるように、好きな視点の作品が生まれるが、先のマチエールへの関心は薄れ、壁に貼られたポスターや広告の文字、あるいは落葉樹の枝が織りなす線が画面を占めるようになる。それは、縦に引き伸ばされた人物から、自身のサインにまで及び、躍動する繊細な線で街を描き出していく。
　「線のパリ」では、第二次パリ時代のひとときに生み出された佐伯の代表作が並ぶ。
　ここには「下落合風景」や「滞船」で試みた線による画面の構成も響いていることを感じたい。

　佐伯の代名詞ともいえるこの様式は、この時期の４カ月ほどの期間で終わる。やがて躍る文字はなりを潜め、ふたたび明確で堅固な画面構成へと移っていく。
　文字の線が画面を覆い、目の前にある建物や風景から乖離していくことを厭うたのか、佐伯は早くも新しい画風を模索する。
　そうしたなか、1928年の２月から、画家仲間の中山魏（たかし）に教えられた、パリから電車で１時間ほどの小村ヴィリエ=シュル=モランに滞在し、その素朴な村の風景に触発され、充実した日々を得る。
　「第3章：ヴィリエ=シュル=モラン」では、1日に２点の作品を仕上げる、という厳しいノルマを自らに課し、同行した後輩画家たちをも臆させるほどの精力的な制作態度で臨んだ作品が紹介される。

　それまでの震えるような繊細さや感覚がそぎ落とされ、画面には太く力強い線と、構成的な面がより強く打ち出されていく。
　しかし、厳寒の中での屋外制作は佐伯の体力を確実に奪っていき、それに抗うかのような、焦燥感すら感じさせる鬼気迫る制作は、《煉瓦焼》完成を最後に20日ほどで終了する。

　まさに命を削っての創作は、三十数点のまとまった珠玉の作品群に昇華した。
　“線の佐伯”に劣らぬ、これらヴィリエ=シュル=モランで生み出された作品の空間も本展の見どころのひとつだろう。

　モランからパリに戻った佐伯は、雨に濡れながら制作を続けたために風邪をこじらせ、床に就く日が多くなる。
　そこに郵便を届けに来た配達夫と、モデルに使ってほしいとやってきたロシアの亡命貴族の娘をモデルに室内で肖像画を制作する。
　このほか、体調がよい時に戸外で描かれた２つの扉の絵。
　これらを最後に佐伯はふたたび描くことはなかった。
　３月末に大量の喀血、病状は悪化し、精神的にも不安定になってパリ郊外の精神病院に収容され、８月16日、息を引き取った。
　エピローグは、最後期の５点、２人の人物像と、絶筆とされる２つの「扉」の空間。

　この少し前から、制作中の作品を画商に認められ、佐伯の作品は少しずつ売れるようになっていたという。
　衰えを感じさせない力強い筆致と構成は、やはりその早世を惜しまずにはいられない。

　閉ざされた扉の奥に深い闇をのぞかせ、その扉に真正面から挑んだ２つの作品に、画家の最期の自画像を読みとって、展覧会は締めくくられる。
　そこにあなたは何を見いだすだろうか。

　佐伯祐三の作品の魅力は、その複雑に重ねられた絵具が体現するマチエールと、荒々しくも画面をしっかりと構成する線、そして独特の感性に根づいた色彩感覚にある。
　それらは実作を見てこそ、感得できるものだ。

　待望の回顧展、「画家・佐伯」の眼がとらえ、身体が表したものをぜひその眼で、感覚で体感してほしい。