「マティス　自由なフォルム」　国立新美術館

　20世紀フランスを代表する画家のひとりアンリ・マティス（1869-1954）。
　激しい原色を多用する表現で「フォーヴィスム（野獣派）」と呼ばれた活動の中心的な存在として、絵画における色彩を解放した彼は、「キュビスム」を提唱して形態の概念を解き放ったパブロ・ピカソと並び称される巨匠だ。
　フォーヴの画家といわれるが、その後、彼の作風はより単純化された線と鮮やかな色彩を持つ装飾的なものへと変化していく。
　マティスが絵画に求めたのは、線とそれが形づくるフォルム、そこに置かれる色をいかに画面に“ここちよく”構成するかであった。そのなかで見いだしたのが、彩色された紙をハサミで切って構成する「切り紙絵」の技法だ。それは、病を得た彼が、体力的に絵画制作が厳しかったからともいわれているが、決して余技にはとどまらず、マティス芸術のもうひとつの重要な創作として、豊かな実りをもたらしている。

　マティスは後半生を南仏ニースに過ごし、ホテルやアパルトマンを転々としながらそこをアトリエとして制作を続ける。切り紙絵はこの頃から本格化し、精力的に取り組まれ、最晩年のヴァンスのロザリオ礼拝堂の装飾に結実した。マティス芸術の集大成をもたらした技法といえる。

　この切り紙絵に焦点をあてた展覧会が国立新美術館で開催中だ。
　ニース市マティス美術館から、大作《花と果実》の初来日をはじめ、切り紙絵の優品が集結する。
　同館は、マティス本人とその遺族から寄贈された作品群を中心に、初期から晩年までの絵画、素描、版画、切り紙絵、彫刻などのほか、マティスが自宅に置き、その創作に欠かせなかった家具調度やオブジェも所蔵する。切り紙絵は世界でも有数のパブリック・コレクションとして、マティス芸術を追ううえで重要な存在となっている。

　切り紙絵を中心とした展覧会は日本では初の開催。
　また、切り紙絵を応用して室内の装飾や祭礼服などをデザインしたヴァンスのロザリオ礼拝堂の空間が、マケット（模型）や下絵の展示とともに実寸大で再現され、その精華をまさに体感できる。
　本展は、これまであまり紹介されることのなかった巨匠のもうひとつの芸術の本質に触れられる貴重な機会となるだろう。

　会場では緩やかな編年を、彼の創作のジャンルごとに５セクションで追いながら、切り紙絵の展開からヴァンスのロザリオ礼拝堂に至るまでをみていく。
　高い天井の空間を活かし、あちこちに制作中のマティスやアトリエの写真を拡大したパネルや映像などが掲示され、作家の姿やその空間、時代を感じられるのも嬉しい工夫だ。

　フランス北部に生まれたマティスは法律家になるためにパリで学んだのち、地元の法律事務所で働いていたが、体調を崩して入院。その際に母親から与えられた絵具箱をきっかけに絵画の道に目覚め、再度パリに出て、エコール・デ・ボザール（国立美術学校）の聴講生としてギュスターヴ・モローのもとで学ぶ。モローは、学生たちの個性を重視し、規範にとらわれない教育者であったといわれる。師は、「きみは絵画を単純化することになるだろう」とマティスの未来を喝破していたとか。そうした自由な空気のなかで、マティスはルーヴル美術館で古代美術や巨匠の古典的絵画も学びつつ、自身の表現を模索する。
　やがて友人と訪れた南仏トゥールーズやコルシカ島で輝く光に触れたマティスは、色彩の開放へと進んでいくことになる。

「セクション１　色彩の道」では、最初期からフォーヴィスムへと向かう時期の作品に、画家としてデビューするマティスの姿を追う。
　故郷から再度パリに出る前に描き、マティス自身が「私の最初の絵画」と称した《本のある静物》にはじまり、印象派や新印象主義に出会い色彩分割を試みた作品、そして1905年のサロン・ドートンヌで「フォーヴ」と称されるようになる補色や原色を使った作品が並ぶ。
　陶芸家アンドレ・メテの工房で制作した貴重な陶磁器などには、その初期から絵画にとどまらない表現を手がけていたことも感じられるはずだ。

　1917年の滞在を契機に、マティスはニースでアトリエを転々としながら制作するようになる。
　アトリエには、1912年と13年の２度にわたるモロッコ旅行で影響を受けた東洋風の家具調度をはじめ、多様な文化を持つ自身のお気に入りの花瓶やテキスタイル、オブジェなどが飾られ、それらは、多く彼の絵画に描かれている。

「セクション２　アトリエ」では、マティスにとってのアトリエが単なる創作の場にとどまらず、自身の創作の重要な主題でもあったことを、室内画シリーズや彼が愛したオブジェとともにみていく。
　オダリスクの絵画と彫刻作品の共鳴、室内画に描かれるオブジェの数々からは、人体と空間の関係を追求した画家の意識とともに、アトリエが彼の尽きせぬ想像力の源泉であったことが見えてくる。

　1920年、マティスは、セルゲイ・ディアギレフ率いるバレエ・リュスの舞台「ナイチンゲールの歌」の舞台装置と衣装デザインを手がけている。
　1930年には、アメリカのコレクター、アルバート・Ｃ・バーンズから財団の装飾壁画の注文を受け、約13ｍの「ダンス」の制作に取りかかる。
　こうした経験は、マティスに大空間を装飾する仕事への意識を目覚めさせ、以後タペストリーのための下絵や準備習作としての大型の絵画作品も生み出された。
　また、「ダンス」の構想のため、このとき初めて色を塗った紙を切ったものを使って大画面の構成を考えた。

　「セクション３　舞台装置から大型装飾へ」では、装飾芸術としての彼の創作が紹介される。
　「ナイチンゲールの歌」の衣装には東洋の影響が感じられ、「ダンス」のための習作の数々は、バーンズ財団の壁画とともに、パリ市立近代美術館に所蔵されるサイズ違いで制作された《パリのダンス（ニンフたち）》や近年再発見された《未完のダンス》の実寸大映像と比較できる展示が嬉しい。
　絵画作品にとどまらず、空間を飾るためのデザインに対する彼の隔たりのないスタンスにも触れられるだろう。

　1940年頃、マティスは編集者テリアードとともに美術雑誌『ヴェルヴ』の挿絵の仕事もこなしている。ここでは、印刷による色の再現も考慮して、切り紙絵の技法が使われた。そして1947年に、切り紙絵を元にしたステンシルによる絵と自筆のテキストで構成された書物『ジャズ』を刊行する。
　この頃から切り紙絵は、マティスにとって構成を考える手段から、独立した表現として意識的に使用される技法となっていく。
　同時に、筆による墨のデッサンも、ひとつの作品に収斂（しゅうれん）する下絵ではなく、それぞれに自立した作品としてヴァリエーションが描かれるようになる。
　これらはカンヴァスを飛び出して、壁面を支持体として組み合わせ、構成された。彼のアトリエの壁はその創造のための場として機能していた様子が写真に残されている。

　「セクション４　自由なフォルム」では、切り紙絵と筆のデッサンの作品に、自由で変幻自在なフォルムの創造を見いだしたマティスの歓びを感じる。
　その到達の一作《花と果実》のおおらかで歌うような迫力の大画面はもちろん、『ジャズ』の全葉から、切り紙絵の代表作《ブルー・ヌードⅣ》や《アンフォラを持つ女》など、“ハサミでデッサンする”マティスの活き活きとした姿が浮かび上がる、幸福感あふれる空間だ。

　最晩年の1948年から51年の４年間、マティスはヴァンスのロザリオ礼拝堂の建設に専心した。それは、ステンドグラスのデザインから壁面を飾る陶板絵のほか、キリスト像などの典礼用の調度品に、さまざまな時期に対応する祭服に至るまで、切り紙絵と筆によるデッサンを昇華させた、“総合芸術”としてのマティスの集大成となるものだった。
　同時に、それまでは基本的にひとりの画家としての創作に終始していたマティスにとって、建築家オーギュスト・ペレ、ガラス職人ポール・ボニ、陶芸職人オバーニュ・ブルディヨンといった、さまざまな職人たちとの協働の創造行為でもあったのだ。

　「セクション５　ヴァンスのロザリオ礼拝堂」では、その生涯の最後にマティスが到達した究極の芸術空間を体感する。
　注目は、祭礼のためのカズラ（上祭服）のためのマケット。マティスは緑色、赤色、紫色、白色、黒色、薔薇色の６色を切り紙絵の手法で制作した。本展では、そのうちの５色のマケットの作例が来日している。これほどに揃ってみられる空間は今後なかなかないだろう。
　原寸大で再現された礼拝堂の空間は、時間の経過で移り変わるステンドグラスの光の反映も味わえる工夫がみごと。また、陶板絵の《聖ドミニクス》《聖母子》《十字架の道行》も楽しめる。

　線とフォルム、そして色と光。それらの最適なハーモニーを求めたマティスの創作は、多様な表現の変遷のなかで、実は終始一貫している。
　切り紙絵は、その相克を解消するひとつの手段として見いだされたものだ。彼の切り紙絵の作品は、その発見の歓びに満ちているように思われる。そして、軽やかで的確な墨のデッサンとともにヴァンスのロザリオ礼拝堂に昇華した。

　マティス芸術のもうひとつの貌は、新しいマティス像を示してくれるとともに、これまでみたことのある彼の絵画作品にも新たな魅力を付加してくれるはずだ。