「レオポルド美術館　エゴン・シーレ展　ウィーンが生んだ若き天才」　東京都美術館

　東京都美術館で「レオポルド美術館　エゴン・シーレ展　ウィーンが生んだ若き天才」が開催中だ。
　エゴン・シーレ（1890-1918）は、世紀末のウィーンに生まれ、たぐいまれな才を見せながら、わずか28歳で夭折した画家。
　最年少でウィーン美術アカデミーに入学するも、保守的な教育方針に飽き足らず退学。グスタフ・クリムトに私淑しつつ独自の表現へと展開し、仲間と芸術集団を立ち上げるなど、時代を先駆けた。一方で、早くに父を亡くし、母親との折り合いがよくなかった家庭環境や、未婚の同棲、わいせつ画の掲示が有罪となり逮捕されるなど、その短い生涯は波乱に富んでいる。
　そうした彼の孤独感や苦悩、嗜好を反映した作品は、表情豊かな線描と歪んだフォルム、独特の色彩で、みる者に強烈な印象を残す。身体や風景にはその内面や生と死、性が赤裸々に描き出され、不安や背徳感、痛々しさを伴ってわたしたちの感覚を揺さぶるのだ。不快にも通じかねない作品の数々は、それゆえにこそ多くの人を魅了し、この天才の夭折を惜しむ声は絶えない。

　本展は、ウィーンの主要な文化施設のひとつとして世界から多くの来館者を迎えるレオポルド美術館の所蔵品を中心に、シーレの油彩画、ドローイングなど50点に、当時のウィーンを彩った作家たちの作品を合わせた約120点で、その画業を彼の生きた時代の空気とともに追う。
　日本におけるシーレの展覧会は約30年ぶりとのこと。久しぶりの人にも、初めてシーレの作品に触れる人にも貴重な機会である。

　レオポルド美術館は、19世紀後半から1930年代のオーストリア美術の質の高いコレクションで知られる。ウィーン世紀末を代表する画家クリムトをはじめ、彼とともに活躍したコロマン・モーザー、オーストリアの表現主義を牽引したリヒャルト・ゲルストルやオスカー・ココシュカなど、この地に花開いたモダニズム芸術をたどることができる。
　なかでも220点以上におよぶシーレの作品群は、世界でもっとも包括的なコレクションとして美術館の象徴となっている。

　このコレクションの礎を築いたのが、ウィーンの眼科医だったルドルフ・レオポルド（1925-2010）だ。
　友人の勧めによるオークションハウスでの体験をきっかけに23歳の時に初めてウィーン美術史美術館を訪れたという美術愛好家は、第二次世界大戦後から蒐集を始め、以後50年間にこの稀有なコレクションを確立する。新たな作品を入手するために、それまでのコレクションの一部を手放すこともあったというラインナップは、ひとえに彼の優れた審美眼によるところが大きい。
　珠玉の作品群は、油彩作品にとどまらず、デッサンや彫刻から手工芸やデザイン、プロダクトなども含む。まさに「生活にアートを」の理念のもと、分野を超えた創造で総合芸術をめざしたウィーン分離派の特徴を備えている。

　本展でも、クリムト、シーレのドローイングが多く含まれる。保存の観点からもなかなか海外での展示が少ないこうした作品に出会えるのもポイントだ。

　会場ではシーレの生涯を追いつつ、それぞれの時期の創作を、テーマごとにみていく。同時代の作家たちも紹介され、ウィーン世紀末芸術の空気をも伝える全14章（！）の構成。

　シーレは1890年、ウィーンの北西の街トゥルンで、鉄道官吏の父アドルフと、南ボヘミア地方クルマウの裕福な家庭出身の母マリーの第３子として生まれた。
　はじめて絵を描いたのは１歳半の頃だったと母が回想するように、幼少期から絵を描くことが好きで、父はその才を認めながらも鉄道技師になってくれることを願っていたという。
　その父は彼が15歳の時に死去し、以後は叔父を後見人として育つ。地元のギムナジウムになじめなかったともいわれる少年は、絵に熱中するあまり成績を落とし、母にスケッチブックを焼かれたこともあったとか。こうした母とのわだかまりは後年まで続き、それが彼の作品に表れているとみる研究者もいる。

　1906年、15歳でウィーン美術アカデミーに合格。画家になることを反対していた叔父もこの快挙に喜び、シーレは画家としての一歩を踏み出すことになる。
　翌年、憧れのクリムトに会った時には、自身の才能についての問いに、この巨匠から「才能がある？　それどころかありすぎる」という言葉をもらったというエピソードも残る。

　クリムトらが活躍した19世紀末のウィーンは、600年以上の歴史を持つハプスブルグク帝国が最後のきらめきを放った時期だ。この時代の空気を無視してシーレの作品は語れない。

　ヨーロッパのなかでは遅まきの近代化により城壁跡に「リングシュトラーセ」という環状道路がつくられ、その道路に沿って行政機関や文化施設などのさまざまな建物が建設される。これらの建築は、いまだ歴史と伝統に根ざしたネオ・ルネサンスやネオ・ゴシック様式のものではあったが、新しい風はブルジョワジーの間に確実にもたらされていた。

　オーストリア＝ハンガリー帝国の二重性が抱えていた政治的、社会的、国家的、民族的な爛熟と危機に象徴されるように、伝統的な格式と規範、新たな価値観が二重写しのように絡み合った時代。同時に科学、医学や哲学も発達し、それらは、表現の世界にも大きな影響を与える。

　なかでもジークムント・フロイトによる深層心理の発見は、表面に出てこない内面性や自我への意識を芽生えさせ、揺れ動く帝国の光と闇とともに、ドッペルゲンガーや鏡像、そして生と死というダブル・イメージの概念で人びとを魅了した。表現者たちは時代の空気に合った新しい表現を模索する。
　美術アカデミーを脱し、クリムトたちがウィーン分離派を立ち上げるのが1897年。「時代にはその時代の芸術を、芸術には自由を」のスローガンを掲げた分離派会館を拠点として、彼らはクロード・モネやフィンセント・ファン・ゴッホなどの国外の同時代作家の作品を紹介したり、テーマを決めた展覧会を企画、自分たちでポスターをデザインするなど、精力的に活動する。
　万国博覧会などでもたらされる東洋の文化も彼らに大きな影響を与えた。特にジャポニスムは、平面的な描写や鮮やかな彩色、自然への視点などが、彼らの造形に取り込まれていく。

　シーレが新進の画家としての活動を始めたのは、こうした時代性のなかであった。
　初期は、敬愛したクリムトの影響の強い作風であったが、やがて独自の画風を確立していく。

　会場では、シーレとかかわりの深い、ウィーン世紀末における主要な３人が挙げられる。
　ひとりはもちろんクリムト。
　彼らの活動において、風景画は感覚でとらえる表現の対象として重要な役割を果たした。人物像とともに風景画にも優れたクリムトを筆頭に、当時のウィーンにおけるさまざまな風景画が紹介される。

　いまひとりはモーザー。
　日本では主にウィーン工房の創設者でデザイナーとして知られているが、ウィーン分離派の創設メンバーのひとりとして、画家であり、展覧会企画者であり、展示空間デザインも手がけたマルチ・アーティストだ。本展では、彼が晩年にふたたび絵画制作に集中した円熟期の作品をみられる。

　そして、ゲルストル。
　25歳で自殺したこの画家は、隠遁者のような制作態度も相まって長らく歴史に埋もれていたが、オーストリアの表現主義の先駆者として近年再評価されている。
　象徴主義的な自画像から、大ぶりの筆致で対象のフォルムも解体しそうな画風へと変遷していく作品には、シーレやココシュカへの流れを読み取れるだろう。

　写実的な人体表現と金を多用した装飾的な画面で美を追求したクリムトに対し、自らを「銀のクリムト」とも言っていたシーレは、1910年頃から彼の影響を脱していく。装飾を排し、痛さを感じさせるような線で、大きな手や引き伸ばされたフォルムを持つ画風が生み出される。
　そこで重要なモチーフとなったのが自画像であり、母子を含めた女性像であり、さらには風景だ。

　シーレはその短い生涯のなかで、200点以上の自画像を遺したという。比較的自画像を多く描いていたゴッホの40点という数に比しても群を抜いている。
　それらは、演劇的な（ときに自慰行為などの過激な）身振りや歪んだ表情などで、身体は断片化される。いずれも鋭いまなざしがこちらに突き刺さってくる。分身のようなダブルポートレートになっているものも多い。
　彼にとって、自画像は単なる対象ではなく、生と死を内包し、美醜も性も含めて内面を抉り出して、その存在を確認する自己探求の結果であることが分かるだろう。

　自画像以外でシーレの画業のなかで大きな比重を占めるのが女性像で、母性を象徴するものから、妊婦、娼婦、さらには少女の危ういエロティックさを表した作品まで多岐にわたる。

　母子像には、自画像としての赤子と母が重ねられる。ふたりの視線は交わることがなく、母への愛憎入り混じる感情を反映しているのか、彼の母子像は多くが哀しげで、不穏な印象をもたらす。

　人物画で知られるシーレだが、実は風景画にも優れた作品が遺されている。
　対象を擬人化し、そこに人間の感情やイメージが描き込まれることで、独特の表現力を持つ風景画だが、彼にとって自然の概念は田園、親密さ、真なるものを意味していたという。
　画壇での活動に伴う都会の喧騒や人間関係に疲れた彼の避難場所でもあったのだろう。母の故郷クルマウで制作した風景画には、穏やかさのなかに造形的、色彩的な追求を感じられる秀作が多い。

　ウィーンを席捲したクリムトらの装飾的な表現動向は、装飾を否定した建築家アドルフ・ロースの登場により転換期を迎える。絵画の世界で重要な役割を果たしたのが、「野性的」と評されたココシュカだ。
　クリムトの招きで「クンストシャウ」（1908年開催の総合芸術展）に出品し、注目を集めるが、その後当時のウィーンの世相を暴き出した戯曲で大スキャンダルを巻き起こす。自らをウィーン美術界の犠牲者として演出したココシュカは、ロースを通じて得た人的ネットワークのなかで独特の表現主義的な肖像画を生み出した。

　1909年、シーレもまた友人たちと新たな芸術集団を結成する。第２回クンストシャウへの参加を依頼され自信をつけたシーレが、保守的なアカデミーの教育方針に反旗を翻したのだ。ここでは、差別されがちであった女性作家にも参加を呼びかけて展覧会を企画した。シーレはウィーンのもっとも先鋭的な革新者となり、彼らを支援するパトロンも現れる。

　1911年にシーレは、その後1915年までもっとも重要なモデルとなるワリー・ノイツェルと出会う。彼女とクルマウに引っ越すが、若い男女の同棲は住民の反感を買い、この地を追われてノイレングバッハへと移る。
　ここで、家出した未成年の少女を匿ったことをきっかけに収監される。「ノイレングバッハ事件」として残る1912年の拘留は、彼が少女たちをモデルにしたことや、エロティックな作品を家に並べていたことなどが原因だった。

　1914年には、サラエボ事件をきっかけに第一次世界大戦が勃発。兵役についていたシーレは、パトロンの助力によりウィーンに戻り戦時下でも作品発表の機会を得て、国際的に評価が高まっていく。
　拘留から、ワリーとの離別、アトリエの隣人だったエーディト・ハルムスとの結婚、そして戦時下における画風の変化を、彼のドローイングのなかでもっとも重要なモチーフのひとつであった「裸体」に追う。

　初期の硬く痛々しい線は柔らかさを持ち、自然な流れで対象をとらえていくようになる。無背景に身体の一部が切り取られるモデルの肢体、独特のアングル、絶妙な彩色は、日本の木版画の影響をうかがわせながら、彼の卓抜した画力により、“ドローイング”を超えてひとつの作品に昇華している。

　終戦後の1918年2月にクリムトが没すると、シーレはウィーンを代表する芸術家と目されていく。3月には第49回ウィーン分離派展のメインルームを油彩とドローイングで飾り、名実ともに大きな成功を収めた。
　しかし、これからという同年10月、クリムトの命を奪ったスペイン風邪に夫婦で感染、妊娠中だったエーディトを追うように、彼女の死の３日後にシーレもこの世を去った。

　あまりにも若すぎる、あまりにも突然の断絶。ウィーン分離派展における評価の一翼を担った大作や、新たな模索を感じさせる未完の作品を前に、その才を惜しむより前に衝撃を受ける。

　10年間の画業で、331点の油彩画と数千点のドローイングを遺し、ウィーン・モダニズムの頂点で消えたエゴン・シーレ。
　彼ほどに「夭折の天才」ということばが合う画家はいないかもしれない。
　繊細で大胆、激しくて周到、痛々しくも強い、自我を追求した作品は、「天才」の意味とともに、21世紀のパンデミックを経験したわたしたちに、新たな切実感をもって響くはずだ。