２月にみられる展覧会：現代アートから世界について想いを馳せる

身近な日常から世界の情勢、環境など、より密接に社会性を持つようになった現代の美術。単なる「美」にとどまらない造形に、いま、わたしたちが生きる世界へのまなざしを意識してみたい。

「アートはみんなのために」。ポップなストリートアートに込められたメッセージ

1980年代のニューヨーク。地下鉄駅構内の広告板やストリートに“落書き”のように描かれた絵が、人々の目を引いた。シンプルな線で表される人型や光る赤ん坊、吠える犬は、マンガのようなコミカルな動きを感じさせ、やがて剥がされて売買されるようになる。作者はキース・ヘリング（1958–1990）。ペンシルベニアからニューヨークに移り、美術を学んできた若者のドローイングは画廊の目に留まり、アーティストとしてデビュー。アンディ・ウォーホルやジャン=ミッシェル・バスキアとともに時代のカルチャーを牽引し、国際的にも高い評価を得る。
楽しくポップな彼の作品には、生命誕生への讃歌から、人種、性的マイノリティ、HIV・エイズへの偏見や差別の批判、軍拡反対と核放棄の呼びかけまで、社会への深いメッセージが込められている。それは、自身の問題であると同時に、多様な人種・民族で形成されるニューヨークにおいて、英語を解さない人びとにもビジュアルで訴える力を持ち、現代をも先取りしていたといえる。アートを富裕層の限られたものではなく、広く大衆に届けようとしたへリングは、自身がデザインした商品を扱うポップショップも運営し、彫刻や壁画などのパブリックアートの制作も精力的に手掛ける。人びととの接点を柔軟に創出するも、HIV・エイズの合併症によりわずか31歳で世を去った。
本展では、日本初公開の５点を含む活動初期のサブウェイ・ドローイングから、晩年の６mにおよぶ大型作品まで約150点が集結。日本に特別な想いのあった彼が、数度にわたる来日で残した作品や資料も写真とともに紹介される。ポジティブな投げかけで社会を変えていこうとした彼の一貫したメッセージと魅力を堪能できる空間だ。


会場の撮影写真はすべて　Keith Haring Artwork ©Keith Haring Foundation

吹き、描き、撮り、綴じる。ガラスの透明感と絵画、写真が共鳴する本が体現した空間

2018年、スウェーデンで活動するガラス作家・山野アンダーソン陽子の言葉から、あるプロジェクトがスタートした。まず、画家が描いてみたいと思うガラス食器について言葉で山野に伝える。これを山野が解釈してガラス作品にし、その作品を画家が絵にする。さらに写真家・三部正博が、画家のアトリエを訪れて写真を撮り、それらをデザイナー・須山悠里が本にデザインする――「Glass Tableware in Still Life（静物画のなかのガラス食器）」のプロジェクトに参加した画家は18人。スウェーデンと日本、ドイツを舞台に、幾重もの感性やまなざしが交錯する一冊が、いま、実際の作品で楽しめる空間に体現されている。
山野は、ガラス、なかでも食器という量産クラフトに関心を抱き、北欧最古のガラス工場で吹きガラスを学ぶ。17世紀から続く、手間のかかる手工業の製法で制作を続けている。彼女が生み出す作品は手作業のため、一つひとつが微妙な歪みをもって異なるのが特徴だ。
本展では、色のないクリアガラスの数々が、画家の言葉によって生まれ、「静物画」として描かれる。ある者はグラスそのものを光とともに描き、ある者は他の要素と併せて異なる世界を創る、またある者はその印象を色に表し、ある者は日常に溶け込ませる。三部の写真はその間を埋めるように、各自の創作を想像させるようにガラスの姿をとどめる。それらの共鳴は、ガラスという素材、食器というモノ、言葉とイメージ、描くという営為、写真に切りとるまなざしなど、多様な関係性に想いを馳せる契機となる。
ささやきのような、空気のような無音の対話は、みる者が参加することでさらに何かを響かせるだろう。繊細で静謐な空間に、あなたの物語を紡いでみては？

未来へつないでいくために。アートを通じて見直す「いのち」と「地球」

開館20周年を迎えた森美術館では、現代アートやアーティストたちの活動を通じて、地球環境とその未来への思考をうながす展覧会が開催中だ。
いまや世界規模で叫ばれる環境危機。各国で、また諸国連携でさまざまな対策が検討・実施されているが、そもそも20世紀後半に人類が地球に与えた影響は、それ以前の数万年単位の地質学的変化に匹敵するといわれる。その主原因は、諸工業先進国の事象や状況に端を発しているのではないか。本展は、その問いから構想された。国内外のアーティスト34名による、過去の作品から新作まで約100点の表現から、人間中心の視点を超えて、「私たち」を考え、「地球環境」の在り方を問いかける。開館以来、欧米主導の美術史の枠を出て、さまざまな地域の現代アートを発掘、紹介してきた同館ならではの企画と言えよう。
20世紀後半以降、社会性を求められるようになった現代アートでも、この問題を扱った作品が多く生み出されている。こうした作品と併せて、1950～80年代、高度経済成長期の日本で制作・発表されたアート作品までを、環境問題と日本という視点から再検証しているのが興味深い。また、問題提起にとどまらず、環境問題とともに、人種や民族、フェミニズムや性的マイノリティなども視野に、古来の智慧や技術と、AIや集合知（CI）といった最先端技術の双方から未来への可能性を提示する。
危機の認識からその先の希望へ。多様な存在と、それらへの柔軟な視点への気づきのなかで、アートができること、そして一人ひとりができることを考える空間は、輸送を最小限にし、展示空間も可能な限り再生利用できる資源を活用した会場設計にも注目しつつ廻ってみたい。

パブリックアート作品とともに体感するエリアソンからの問いかけ

「街全体がミュージアム」をテーマに、昨年末にオープンした麻布台ヒルズ。アート、ファッション、エンターテインメント、食など、多ジャンルの文化発信で注目されているが、その象徴のひとつが、森JPタワーのオフィスロビーに設置されたオラファー・エリアソン（1967–）による新作パブリックアートだ。振動を表すリサージュ曲線から得た着想を、初めて再生金属を使用して立体に展開された作品は、菱形、凧型、三角形で構成される複雑な十一面体のモジュールがたくさん繋ぎ合わされたオブジェ。モジュールの面や窪みはピッタリと合うが、一か所異なると想定からかけ離れた形になるという。多ジャンルを横断し、環境問題など社会的な課題への取り組みや問いかけを含む作品で知られるエリアソンならではの造形は、未来を志向する街の意義をも担って愛されていくだろう。
この作品の主題を軸にしたエリアソンの展覧会が、麻布台ヒルズギャラリーの開館記念として開催されている。本展のために制作された新作をはじめ、この空間に合わせて再構成されたインスタレーションや氷河期の氷を使った水彩画、カタールの砂漠で太陽光や風力などの自然エネルギーで制作したドローイングなど、日本初展示となる15点が紹介される。
光や風、水や鉱物などの自然とともに、つい対極的に考えがちな幾何学や物理、動きのパターンや色彩理論などが、いかに自然が内包する美から導き出されたのかを体感できるはずだ。
なお、ショップでは、パブリックアートのモジュールを模した和三盆の落雁がおすすめ。スタジオ・オラファー・エリアソン キッチンとコラボレーションしたドリンクスタンドも開設されており、彼の創作の理念を舌でも味わえる。