『メトロポリタン美術館展　西洋絵画の500年』　国立新美術館

ニューヨーク、セントラルパークの一角に建つ、アメリカが世界に誇る美の殿堂、メトロポリタン美術館（The MET）。
　現在も拡張を続ける同館には、先史時代から現代までの5000年以上にわたる世界各地の考古遺物・美術品150万点余が所蔵されている。

設立のきっかけは、1866年、パリでアメリカ独立宣言の90周年を祝うために集ったアメリカ人たちの構想だったという。
　アメリカ国民のために美術の教育と振興を図ることを使命に、実業家や資産家、芸術家などの市民が尽力、1870年に創立してコレクションを形成し、1872年にマンハッタンの小さな建物の中で一般公開を開始した。1880年に現在の場所・建物に移り、現在に至る。
　ヨーロッパの主要な美術館の多くが王侯貴族のコレクションを主体に国立として成り立っているのに比して、新興国のアメリカでは、こうした私人の寄付や寄贈から美術館ができたことは特筆される。そこには、歴史の浅い自国の文化に厚みをもたらすことも意図されていたのだろう。

いまや、ルーヴル、エルミタージュと並び、世界の三大美術館のひとつにも数えられるこの美術館から、選りすぐりのヨーロッパ絵画が来日している。

同館のヨーロッパ絵画部門のコレクションは、創立１年後にヨーロッパの画商から購入した174点の絵画からはじまった。以来、寄贈、遺贈と購入によって拡充され、現在13世紀から20世紀初頭までの2500点以上のヨーロッパ各国の絵画を擁しているそうだ。
　このなかから、主要作品65点が東京・六本木の国立新美術館に一挙集結、なんとそのうちの46点は日本初公開作品という豪勢なラインナップだ。

The METでは、2018年から「スカイライト・プロジェクト」と銘打った照明設備の改修が進められている。これまでの人工照明ではなく、19世紀末まではあたり前だった自然光を活用した展示空間を再現する試みのため、いま本館の絵画展示室は改修中なのだ。
　つまり、来日中の作品たちは、いわばThe METの常設展示室がそのまま移ってきたようなもの。コロナ禍でなかなか海外にも行けないいま、日本に居ながらにしてThe METの空間を味わえる、嬉しいプレゼントといえよう。

初期ルネサンスから19世紀まで、イタリア、フランドル、ドイツ、スペイン、イギリス、フランス各地の巨匠の名画が揃う。
　まさに西洋絵画史500年を代表作で追える、教科書のような空間となっている。

会場は、時代の大きな社会変化に沿って３章で構成。解説とともに進めば、そのまま西洋絵画の流れがつかめるだろう。
　同時に、各空間は出入り口がいくつも設けられて、順序を考えずに自由に散策できるようにもなっている。
　ひと通り巡った後は、もう一度好きな作家、気になる作品に戻ってみたい。

まずは、15～16世紀に西洋美術に大きな変革をもたらしたルネサンスを、その息吹から感じる。
　中世、神によって生かされていると考えていた人間にとって、その神と信仰の表現であった絵画が、人間中心の視点により、古代ギリシア・ローマの神々の神話の融合も含めて新しい表現を生み出すルネサンス（再生）の時代を追う「Ⅰ. 信仰とルネサンス」。

ルネサンス発祥の地フィレンツェからは、初期ルネサンスのフラ・アンジェリコや、三大巨匠のひとり、ラファエロが、明るい色彩と官能性を特徴としたヴェネツィアからは、巨匠ティツィアーノが、プロテスタントの宗教改革の中で独自の多様性をみせた北方ルネサンスからは、クラーナハ（父）などが観られる。
　やがてここから極端に引き伸ばされた肢体、不自然な空間や色彩などを特徴とするマニエリスムの表現が生まれる動向は、スペインで活躍したギリシア人画家、エル・グレコの作品が示してくれる。

あまり日本では知られていないが、初期ルネサンスの画家として、カルロ・クリヴェッリとフィリッポ・リッピが描いた、それぞれに美しい聖母子像は必見。

17世紀になると、ヨーロッパ各地では、専制君主による絶対主義体制が確立する。
　18世紀には、啓蒙主義が台頭、裕福な庶民の意識が高まり、王政の権威が揺らぎ始める。
　「Ⅱ. 絶対主義と啓蒙主義の時代」では、王侯貴族に支えられて展開する宗教画・宮廷絵画と、市民社会から支持されて発展する表現を各国の様相とともに観ていく。

カラヴァッジョに代表される明暗の対比や劇的な構図を特徴とするバロック様式がローマで生まれ、カトリック教会と君主の宮廷という聖俗ふたつの権力のなかで人気を博していく。
　黄金時代を迎えたカトリック国スペインでは、ムリーリョやベラスケスに代表される宮廷画家が宗教画とともに主人たちの肖像画を残す。

一方、共和国としていち早く市民社会を確立したプロテスタント国オランダでは、富裕層の注文により、自国の豊かな自然を表す風景画や、自身の財産を誇示したり、世の無常を示す“ヴァニタス画”としての静物画、そして市民の生活を描く風俗画が発展、ライスダール、レンブラント、フェルメールにデ・ホーホなどが活躍した。

太陽王といわれたルイ14世の治世にあったフランスでは、王の芸術政策に基づいてアカデミーが発足、古代とルネサンスを規範とする古典主義様式が堅固な地位を獲得し、シモン・ヴーエやプッサンがその先達となる。やがて爛熟したフランス宮廷では、優雅で軽やかなロココ様式が流行、ブーシェやフラゴナールが明るく官能的な作品で寵愛される。
　同時に、シャルダンやグルーズが、アカデミーでは低く位置づけられていた風俗画、風景画のジャンルにおいて優れた作品を生み出し、ル・ブランのような女性画家の活躍も観られるようになる。
　イギリスでは、肖像画が発達、レイノルズらが貴族や富裕層の家族を上品に描き出した。

19世紀、フランス革命を機に、ヨーロッパは激動の時代を迎える。
　市民社会の台頭による近代化のなか、芸術の担い手は王侯貴族から庶民へと移り、画家たちも新しい時代の新しい表現を追求する。
　社会体制の転換は、価値観の変化や、都市の風景の変貌、個の意識の芽生えなど、多様な可能性を表現の世界にももたらし、20世紀初頭の前衛的な芸術の萌芽となっていく。
　自己の表現としての絵画の展開を、「Ⅲ. 革命と人々のための芸術」に感じる。

古典主義的なアカデミズムに対して、個人の感性や想像力から幻想的な風景や物語のシーンを描くロマン主義が台頭、アカデミーの画家ジェロームにも「歴史画」の主題の変化がみられる。
　イギリスのロマン主義の画家ターナーは、風景画において光を描き出し、印象派を準備する。
　また、硬質化したアカデミーに反して、農民や労働者の生活や理想化されない身近な風景を見たままに描く写実主義が生まれ、それは、近代都市の諸相を描き出したマネやドガへと連なり、そしてモネやルノワールが引き継いで印象派の誕生を迎える。
　見たものを見た印象のままに写し出すことを発見した画家たちは、印象派を超えるべくさらに新しい表現を模索する。セザンヌ、ゴーギャン、そしてゴッホたちがポスト印象派として、それぞれに形態、構図、色彩において自身の表現を生み出していった。

その精神は、20世紀の若き画家たちを刺激して、現代につながる前衛芸術へと展開していくのだ。そこには、印象派最大の巨匠モネが晩年の「睡蓮」に表した抽象的な色彩の画面も大きく影響している（モネ自身は抽象絵画を意図していないけれど）。

半世紀の大きな流れがあまりに壮大ならば、好きな画家の名作を楽しむもよし、美術の教科書で見たことのある代表作を確認するもよし。あるいは日本初公開の作品をチェックするでもよいだろう。
　「The MET」が誇る最高級の名画たち。いずれにしても、濃密な体験ができるはず。